Starting with his 2011 Pia Film Festival Special Jury Prize-winning autobiographical feature debut, Our Future, Kasho Iizuka has focused on the lives of people who don’t fit neatly into Japanese society.
Iizuka’s latest feature Angry Son is his second 2022 release following his transgender relationship drama The World for the Two of Us. It tackles immigration and mixed-race experiences through the prism of a single-parent family where the titular angry son is gay Filipino-Japanese high-schooler Jungo (Kazuki Horike) who lives unhappily with his vivacious Filipina mother Reina (singer and actress GOW) in a city located in Gunma Prefecture. A search for his father forces them to face the prejudice they have experienced and reconnect in a touching, funny, and fiery drama.
Cultural faux pas, prejudice, and healing happen after a lot of patience and empathy help characters get to understand each other. Iizuka explores various social issues such as harmonising racial and sexual identities by skilfully wrapping them up in a strong family drama where the characters are sympathetically dealt with. Such was the impact of the film that it won the Most Promising Talent Award at the 2022 Osaka Asian Film Festival and it has been selected for Nippon connection and this attention is richly deserved as the film is so well made and full of substance as it presents a hopeful picture of a Japan that is becoming more diverse.
Where did the story come from? What drives director Kasho Iizuka? He took part in an interview where he explained lots of things that informed Angry Son. The interview was translated by Takako Pocklington.
The Japanese-language interview is followed by the English.
Japanese
飯塚監督、こんにちは！『来るべき才能賞』おめでとうございます！ 世界は僕らに気づかない は、役者の皆さんの演技が力感溢れて素晴らしく、また様々なテーマが打ち出されているにもかかわらず、監督の手腕で、一つの作品の中に違和感なく織込められています。
この映画について幾つか質問させていただきたいのですが、どうぞよろしくお願いします。
この映画のアイデアはどんなふうに生まれたのですか？
小学生時代に身近にフィリピン人の母を持つ子がいました。放課後何度か彼の家に遊びに行ったことがあったのですが、夕飯の時間になって私が帰ろうとすると、とても寂しがりました。何故なら、母親がフィリピンパブに働きに出てしまっているため、夜は一人ぼっちで過ごす必要があったからです。彼が何故寂しがっていたのか、大人になってから理解する機会がありました。この映画の着想にはそんな友人の姿があります。
そんな彼の姿から着想を得たこの物語の根幹にあるのは、母と子の愛の物語。母は日本に出稼ぎにやって来たフィリピン人。そして、息子は日本で生まれ育った日本人（戸籍上はフィリピン人）。違う価値観（文化の違い）を持った親子が徐々に違いを認め合い、そして一歩前進する物語になっています。この物語の背景には、90年代に大勢のフィリピンの方が出稼ぎのため来日して来たことがあります。多くのフィリピン人女性がパブで働き、日本人男性と結婚し、多くの子どもが生まれている。私の身の回りにも例外でなく、たくさんのフィリピンと日本のダブルの友人がいる。そして、フィリピンダブルの人たちの話を聞くと、例え家族間であっても、育った場所の文化の違いからすれ違いがある。血の繋がった親であっても、価値観を理解できないという問題があることを知りました。今日本は、多様性を認める社会の流れになって来ている。そしてこれから更に、人種やセクシュアリティなど、様々な意味で多様な人たちが入り乱れてくるものと思います。そんな中、今触れるべきテーマだと思い、「違いを持った者同士」が歩み寄る物語を描くことにしました。
ダブルとして生まれ育った人たちが経験してきたことや、日本に住むフィリピン人の方たちの暮らしについて詳しく知る為に、どのようなリサーチをされたのでしょうか？
沢山の日本×フィリピンのダブルの方に取材をしました。また、出稼ぎに来ているフィリピン人の女性たちにも取材をさせていただきました。彼女たちが働くお店にも出入りをしました。その中で日本×フィリピンのダブルの方が共通して体験したことや、抱えている問題などに気づきました。また多くのフィリピン人女性たちと会う中で、彼女たちの逞しさや、明るく前向きな姿勢に純粋に魅力を感じました。彼女たちとのやり取りの中で、フィリピン人と日本人の価値観の違いにも気づき、映画に盛り込んでいます。
また、脚本をある程度書き終えたところで、『フィリピンパブ嬢の社会学』（新潮新書）の著者である中島弘象さんにもお話をうかがいました。中島さんはフィリピンパブの研究をしているうちに、一人のフィリピン人女性と出会い、恋愛し、ご結婚された方で、奥様にも脚本上のセリフの変なところを指摘していただいたりと大変お世話になりました。
堀家一希さんとGOWさんの、相手に対する激しい感情がピタッと呼応し合ったことが、この映画作品を作品たらしめたと思いました。主役のお二人をどうやって見出されたのか、そして監督を惹きつけた、お二人の役者として特性とは何だったのでしょうか？
まず堀家君に関しては、数年前に撮影現場でご一緒したことがきっかけで、ずっと彼の活動を追いかけていました。彼はお芝居をする上でリアリズムをとにかく大事にしていて、その点でアメリカのメソッド演技から派生するリアリズムを大事にするお芝居のノウハウを学んできた私ととても気があったように思います。彼となら純悟というキャラクターを生きた人間として描き切ることができると、確信を持てました。
また、GOWさんに関しては、フィリピン人女性のキャスティングが難航している中、知人の紹介で出会いました。GOWさんは歌手やタレントとしての活動をメインにしている方なのですが、GOWさんの歌を聴いて、この方ならレイナを演じ切ることが出来ると確信を持ちお声かけしました。またGOWさんが、フィリピン大使館でのお仕事もされていて、フィリピンという国の抱えている問題にも関心を強く持っており、この映画のテーマに深く共感してくれたことも大きかったです。
お二人とはとにかく感情の流れを細かく確認しました。相手の何が嫌で、相手から手に入れたいものは何で、何故二人の関係に葛藤が生じているのか。その「葛藤」が大きければ大きいほど、二人のお芝居はダイナミックになっていくだろうと、議論を重ねました。そして、二人が根本的に持っているパワーの強さは間違えなくこの映画に貢献してくれたと思います。映画を観ていただければ分かると思いますが、お二人とも、とてもパワフルな役者です。
堀家さんとGOWさんが激しくぶつかるシーンが何度かありますが、撮影中又は現場以外で、どういうふうにお二人と役作りに取り組まれたのでしょうか？
この映画にふさわしいお芝居について、かなり時間をかけてお二人とは話をしました。また、当初予定していた撮影時期から、コロナウィルスの大流行のため、撮影が一年延期になり、脚本を書き直す時間もたっぷりあったので、その中で堀家君自身のことを聞かせてもらう時間を作ってもらいました。今思えば一般的な商業映画では出来ないやり取りをかなりさせていただいたように思います。彼が日頃強く持っている感情を脚本に落とし込む作業をし、脚本が上がってからも台詞を一行ずつ読みながらディスカッションする時間を持ちました。私的な経験や思い出をうかがいながら、役とご本人を１つにする作業を丁寧に行なっていきました。
純悟の母親に対する態度は常に激しいものでした。観客は純悟のことをどう受け取るだろう、と気になったりはしましたか？
まったく気にしていませんでした。この映画を観て、純悟の態度に腹を立たせる人もいれば、共感する人もいると思います。映画を観た後の受け取り方の違いは、観る人の立場によるものなので、彼を観て何を感じても正解だと思います。例えば、純悟と同じように、一番分かり合いたいはずの人との間にわだかまりを感じている人は、彼に共感するでしょうし、母親の立場に近い人は、きっと純悟の態度にやきもきするはずです。大事なのは、映画を観た後に「自分は何故そう感じたのだろう」と考える時間だと思います。そうやって、映画は何かを気づかせてくれるものだと思いますし、そうでなければいけないと私は考えています。これからこの映画が広がって、どんな感想が出てくるか楽しみです。
俳優さんたちは完全に台本に通りに演じられたのですか、それともアドリブもあったのでしょうか？
台本通りのシーンもありますし、アドリブで完全に撮り切ったシーンもあります。とくに終盤のシーンはほとんどアドリブです。映画の中で、生き始めたキャラクターたちが「何を話すのか」。作り手である私の想像を超えた瞬間を切り取りたい。そんな願いから即興を多用しています。
また、私の撮影現場の特徴として、カメラを長く回すことにあると思います。俳優の中の感情の準備がしっかり出来たらお芝居を本人の間でスタートしてもらいます。それまでスタッフはカメラを回したまま待つことになります。
撮影で最も難しかったシーンは？
純悟とレイナの和解のシーンです。もっとも重要なシーンであるため、撮影の中盤でこのシーンを一度は撮り終えたものの、撮影最終日にもう一度リテイクしました。映画の中で、観ている者も感情面でも一番心揺さぶられるシーンになるので、演じていた堀家君とGOWさんも「とにかくいいシーンにしたい」と、気合が入っていました。それゆえ準備もかなりされていたと思いますし、大変だったと思います。しかし、二人とも素晴らしい演技を見せてくださいました。
監督ご自身の故郷である群馬県が映画の舞台になっています。どうしてご自身の故郷で映画を撮ろうと思われたのですか？
もともと群馬県には工業地帯が多いため、国外から多く出稼ぎに来ている方がいます。工業地帯があれば、それに紐づいて、彼らが夜遊ぶための、飲屋街や風俗街が生まれる。そんな景色がどこか自然と溶け込んだ街で私も生まれ育ったので、やはり生まれ育った地元で撮影するイメージが元々ありました。
また、この作品を機に、東京から地元である群馬県へ移住もしました。ずっと東京でしか映画製作が出来ないことに違和感を感じていて、文化的な拠点が東京に一挙集中していることに疑問を持ち、地元である群馬県で全て映画づくりを完結させる実験を行いたいという気持ちがあったからです。結果、とても集中して制作に打ち込むことが出来ました。地元の方々の応援もこの映画に力を与えてくれました。
偏見を気にせず、それぞれの境遇・生き方を受け入れた人たちの前向きな姿を、監督は提示してくれました。移民やダブルの方たちの経験だけでなく、セクシャリティについても描かれています。こういうことを主題とした映画を作ることの重要性についてお話していただけませんか？
結論からいいますと、今回の映画で、主人公がゲイであることが主題にならないようにしました。この映画の脚本を書き始めたのは、かれこれ７、８年前。当時は、日本国内でセクシュアルマイノリティを描いた作品は極めて少なく。セクシュアルマイノリティを取り上げるだけで、それ自体が大きな話題となるような状況でした。その後、世の中の理解が進み、沢山のセクシュアルマイノリティに関する映画が多く製作されるようになった。こうした状況を踏まえて、今の邦画に必要なのは、登場人物がセクシャルマイノリティであることにはあえて触れずに描き、当たり前のように物語の中に存在させることだと思いました。当事者はごく当たり前に日常の中に生きていると、伝える必要があると感じたからです。だからこの映画では、主人公がゲイであることを特別視しない作風にしました。今セクシュアルマイノリティを描くことがブームのようになっている邦画界で、次のステップを切り開きたい気持ちがそうさせました。
また、ゲイである主人公にハッピーエンドを用意したことにも大きな意味があります。セクシュアルマイノリティの若者が苦しみ悩む映画もそれはそれで意義があるものですが、そればかりでは、これからの未来を担うセクシュアルマイノリティの若い子どもたちが幸せな未来を描けないからです。映画は誰かのロールモデルになりうるものなので、ハッピーエンドを描くことにもこだわりました。セクシュアルマイノリティであってもごく普通に生活をし、ごく当たり前の幸せを手にすることが出来る。今日本映画に必要なのはこういった筋書きの物語だと思います。
English
Can you talk about how you came up with the idea of the film?
I had a friend who lived near my house whose mother is a Filipina. I went to his house after school a few times. Whenever I started getting ready to leave his place for supper, he got upset because he had to stay at home alone at night as his mother worked at a Philippine pub. After growing up, I found out why he looked alone. The idea for the film came from his presence in my memory.
The principal theme of the story inspired by my childhood friend is the love between mother and child. The mother is a Filipina who came to Japan for work. Her son is a Japanese (Filipino on his birth certificate) born and raised in Japan. It is the tale of a mother and child, who have different values in life (cultural differences) who come to terms with each other. The social context that many migrant workers from the Philippines rushed to Japan in the 90s lays behind the story. Lots of Filipinas worked at pubs and married Japanese then had children. I have mixed-raced (Filipino and Japanese) friends as well. Some of my Filipino-Japanese friends told me that cultural differences within a family cause misunderstandings. I realised that even a family that is biologically related don’t necessarily share a similar sense of values. Today, Japan is becoming a society that recognises diversity. In the future, Japanese society will be even more diverse with regard to cultures, races, and sexualities. Due to this, I decided to make a story in which “people with differences” come together.
What sort of research did you do to find out more about the mixed-race experience and the lives of Filipinos in Japan?
I interviewed quite a few Japanese-Filipinos and also Filipinas who came to Japan for work. I went to their workplaces as well. While interviewing, I noticed that they have experiences or problems in common. I was genuinely drawn to Filipina’s strength, cheerfulness, and positive attitudes while meeting them. While interacting with them, I also noticed differences in the sense of values between Filipinos and Japanese and I incorporated them into the film.
I met Kosho Nakajima – the author of “The Sociology of Philippine Pub Women”- after I finished writing most of the script. He told me about his experience of meeting a Filipina while researching Philippine pubs, falling in love with her and getting married. His wife also advised me about some lines in the script.
The film works because Kazuki Horike and GOW match each others intensities. How did you discover the lead actors and what acting qualities drew you to them?
I had a chance to work with Horike on the set of a film several years ago. I have been following his activities since then. He values realism in his acting and in that respect, I felt in tune with him as I have learned acting techniques derived from method acting, which is realism based. With him, I was convinced that he would be able to portray the character Jungo perfectly.
While we had difficulties in finding a Filipina for the role of the mother, one of my acquaintances introduced GOW to me. She is a singer and a celebrity. However, after listening to her singing, I was convinced that she could capture the character Reina so I asked her to play the role. She also works at the embassy of the Philippines and is interested in the issues in the country. Therefore, she deeply empathised with the theme of the film.
As for the acting of Horike and GOW together, I meticulously checked on their emotional flow. We explored what aspects their film characters are not happy with with regards to each other, what they expect from each other, and why there is a conflict between them. The bigger that the conflict between them is, the more dynamic their actions will be. We discussed this a lot. Their internal strength hugely contributed to the film. They are both very powerful actors. You’ll probably find that easily.
They both have intense scenes together, how did you work with them for their roles on and off set?
We spent a great deal of time discussing the acting for this film. I had extra time to rewrite the script as the shooting was postponed from a previously planned time to a year later due to the COVID-19 pandemic. Thus, I found I had time to sit down with Horike and ask about his personality. Thinking about it now, I was lucky to have such exceptional interactions with him. It wouldn’t be possible if I worked in commercial films. I picked up the emotions he held in real life and put them into the script. We read the lines and discussed them. I carefully made Horike become Jungo whilst asking him about his personal story.
Jungo’s behaviour towards his mother is constantly extreme. Did you worry about how the audience might react to him?
I didn’t worry at all. I suppose some of the audience might get upset by Jungo’s attitude, and some might be empathetic to him. The audience has the freedom to take away what they want from the film depending upon each person’s situation. For instance, people who feel isolated from the person they most want to be close to will empathise with Jungo while others who share a similar situation as his mother will get annoyed with his attitude. I think it is important to question why you felt that way. In this way, I consider films as a way of getting us to realise something and I believe that is something they should do. I am really excited about the film being released and receiving various reactions.
Did the actors work entirely from a script or was there ad libbing?
Some scenes were true to the script, but some were ad-libbed. The scenes towards the end of the film, especially, were ad-libbed. It was fascinating to see how the fictional characters came alive. “What are they going to talk about now?” I was thrilled to shoot the moments that the actors performed that went beyond my imagination as a creator. That is why I let them ad-lib.
A characteristic of my filming is that I tend to use long takes. I just leave the camera on and let the actors start acting whenever they are ready. Until then, the crew wait and the camera must keep rolling.
What was the hardest scene to shoot?
The scene where Jungo and Reina reconcile. Since it was the most significant scene in the film, I did a retake on the final day of the shoot, although I had already shot it when we were halfway through the shoot. That scene should be the most emotional for the audience. Both actors were aware of that and totally up for it. I assume they had conscientiously prepared for the scene, and it must have been very hard for both of them. Horike and GOW showed us a brilliant performance.
The film is set in Gunma Prefecture, which is where you are from. Why set it there?
As the industrial belt runs through Gunma, there are many migrant workers from abroad. Where there is an industrial area, there is a nightlife district. This scenery integrated naturally, and I grew up in a town like that. It seemed reasonable to shoot the film where I grew up.
I moved back to Gunma from Tokyo for this film. I had always felt uneasy with the present state that Tokyo is the centre of filmmaking activity. I had also been questioning why the cultural hub is concentrated in Tokyo. So, I wanted to experiment and do the whole process of filmmaking in Gunma. As a result, I could focus well on the project. The local people’s support poured power into the film.
You present an optimistic picture of people accepting different ways of living without shying away from the prejudice. As well as the experiences of immigrants/mixed-race people, you also address sexuality. Can you talk about the importance of making films with such subject matter?
In conclusion, I intentionally avoided presenting the main character being gay as the main theme. I started writing this script about seven to eight years ago. There were hardly any works depicting sexual minorities in Japan back then. It became sensational just bringing up the subject. Lots of films about the subject began being made once society began deepening its understanding of sexual minorities.
Based on that situation, I thought what we need for Japanese films is to make a film containing sexual minority characters who naturally exist in the story. Deliberately not focusing on their sexual orientation. I found it necessary to convey the message that the characters live their lives as a matter of course whoever they are. That is why I deliberately made this film without giving particular weight to having a gay protagonist. I wanted to take the lead for the next step in the Japanese film industry where the portrayal of sexual minorities is currently a big trend.
There is also a significant reason why I supplied a happy ending for a gay protagonist. I am aware of the importance of portraying the struggles of young sexual minorities in films but at the same time, I think a young generation of sexual minorities won’t be able to envision happiness for their future if we keep presenting films like that. This film can present a role model for someone, so I wanted a happy ending. Even if you are a sexual minority, you should have an ordinary life and seize happiness like others. I deeply believe that we need this kind of story in Japanese films today.
Angry Son was seen as part of Osaka Asian Film Festival 2022.
Angry Son will be screened at Aeon Cinema in Ota, Gunma (the film’s setting) and Cinematheque Takasaki, Gunma, on January 13th. It will then by screened in Tokyo at Cinema Qualité and Bunkamura.
Genkinahito 